Unter Gestaltung kann man eine Aufgabe verstehen, mit visuellen Mitteln bestimmte Aussagen oder Inhalte zu kommunizieren. Die Methoden, mit denen die einzelnen Elemente wie Text, Bild & Grafik zu einem sinnvollen Ganzen angeordnet werden, bilden die Grundlagen der Gestaltung. Das eigentliche Rohmaterial, wenn man so will, sind aber nicht Text, Bild & Grafik, sondern Farbe, Form & Struktur. Im Wesentlichen ist es ein Konzept, auf dem die gesamte Gestaltung basiert, dem Kontrast. »Unsere Harmonie«, schreibt Kandinsky, »ruht hauptsächlich auf dem Prinzip des Gegensatzes, dieses zu allen Zeiten größten Prinzips der Kunst.« (Kandinsky 2004:113) In einer ausgewogenen Komposition sind Faktoren wie Form, Richtung und Anordnung alle gegenseitig so festgelegt, daß keine Veränderung möglich scheint und das Ganze in all seinen Teilen den Charakter der ›Notwendigkeit‹ annimmt (Arnheim 2000:24).

DIPLOMA Private Fachhochschule Nordhessen, seit WS 2022
HTW Berlin, WS 2023

Jede Form von Kommunikation basiert auf Zeichen, sprachlichen, visuellen, akustischen. Die allgemeinste Definition lautet, „Ein Zeichen ist etwas, das für etwas anderes steht“. Nicht nur Sprache und Bilder, fast alles kann als Zeichen verwendet werden und muss auch als solches erkannt werden. Im Kommunikationsdesign, das ausschließlich mit Zeichen arbeitet, ist die Theorie von den Zeichenprozessen in Kultur und Natur Teil des unverzichtbaren Grundlagenwissens.

DIPLOMA Private Fachhochschule Nordhessen, seit WS 2022

In diesem Seminar geht es um Möglichkeiten und Grenzen des Erzählens mit Bildern. Es werden die gestalterischen Mittel analysiert, mit denen erzählerische Inhalte sowohl im Einzelbild wie auch in statischen und dynamischen Bildsequenzen (Bilderserie, Graphic Novel, Film) umgesetzt werden. Die theoretische Grundlage liefern Texte der Narratologie, Wahrnehmungspsychologie, Bildwissenschaft, Semiotik sowie Comic- und Filmtheorie. In praktischen Übungen wird das erworbene Wissen zur Anwendung gebracht und Ansätze zu einer eigenen Methode visueller Narration entwickelt. Besondere Aufmerksamkeit gilt der Darstellung des menschlichen (und anthropomorphen) Körpers.

Universität der Künste Berlin SS 2014, WS 2012/13, WS 2011/12

Dem Körper als Träger des Lebens kommt überall zentrale Bedeutung zu. In der abendländischen Kultur steht die Verehrung des Körpers einer nicht minder intensiven Verachtung gegenüber. Wo man auf der einen Seite Schönheit und Kraft des (jugendlichen) Körpers preist, wird er auf der anderen Seite als unrein und sündig verdammt. Für viele gesellschaftliche Bereiche dient der Körper zudem als Modell: Staatsgebilde werden nach seinem Vorbild entworfen, bei der Konstruktion von Maschinen orientiert man sich an der Funktionsweise von Skelett, Organe und Sinne. Schließlich wirken die Maschinen auf den Körper, der so augenscheinlich dem Verfall preisgegeben und in vielerlei Hinsicht unvollkommen ist, zurück: man versucht ihn nach dem Vorbild der Maschine zu optimieren. Wissenschaftler wie Kevin Warwick von der Coventry Universität (GB) gehen noch darüber hinaus: er will den Körper, den er als Gefängnis beschreibt – eine antike Vorstellung –, gleich ganz abschaffen, um als reines Geistwesen zu existieren.

Folgt man dem russischen Literaturwissenschaftler Michail Bachtin, so hat der »groteske Modus der Darstellung des Leibes und des leiblichen Lebens […] die Kunst, einschließlich der Wortkunst, jahrtausendelang [beherrscht].« (Bachtin 1969: 18) In seiner ursprünglichen Form kombiniert das Groteske üblicherweise nicht zusammengehörende Objekte. Dabei entstehen Mischwesen aus Mensch, Tier, Pflanze und Dingen. Es sind Wesen des Übergangs, die nie abgeschlossen sind, die sich in einem ewigen Kreislauf von gebären und verschlingen befinden. Zwar hat Bachtin ein Ende des grotesken Leibes mit der Renaissance angesetzt, ohne dass damit das Konzept des Grotesken verschwand. Es hat sich nur gewandelt, wie Wolfgang Kayser gezeigt hat, der dem Grotesken seit der Romantik ganz andere Qualitäten, insbesondere einen düsteren, schrecklichen Zug zuschreibt. Und auch heute ist das Groteske als wichtige Ausdrucksform in sämtlichen künstlerischen Disziplinen vertreten, ja geradezu allgegenwärtig. Das Seminar führt in die Theorie und Geschichte des Grotesken ein und untersucht dessen Formen in Kunst und Design des 20. und 21. Jahrhunderts.

Kitsch ist ein Kampfbegriff; wer einmal damit belegt wurde, gilt als kontaminiert und wird aus der Kunst verbannt. Mit Kitsch verbinden sich Vorstellungen des Gefühligen und Sentimentalen; die Vorwürfe reichen von Dummheit, Klischee bis zu Effekthascherei und Täuschung; Kitsch ist niedrig, klein und provinziell. Nobert Elias spricht von »Dienstmädchengefühl«, Immanuel Kant von »Reiz und Rührung«, Ludwig Giesz erkennt eine »dumpfe Privatheit«, welche sich bei Hans-Dieter Gelfert noch zur »Xenophobie« steigert. Wann und aus welchem Grund sind Menschen auf die Idee gekommen, bestimmte ästhetische Erzeugnisse als Kitsch abzuwerten? Wieso hat man die gesamte populäre Kultur unter Kitschverdacht gestellt? Und wie verhalten sich Kitsch und Design bzw. Kitsch und Illustration zueinander?

Universität der Künste Berlin SS 2012

Am Beispiel der amerikanischen Filmemacher, Bühnenbildner und Designer The Quay Brothers, mit deren Werk ich mich seit gut zehn Jahren befasse, wird eine Praxis vorgestellt, die aus einer Vielzahl von Inspirationsquellen schöpft, um daraus ein komplexes künstlerisches Universum zu gestalten, das sich mit dem von Gilles Deleuze und Félix Guattari geprägten Begriff des Rhizoms gut beschreiben lässt. Die Quay Brothers erhielten 1986 mit der Stop-Motion-Produktion Street of Crocodiles internationale Anerkennung. Heute bilden animierte Kurzfilme den Kern eines umfangreichen Werks, in dem die Quays Zeichnung, Kalligraphie, Animation, Realfilm, Tanz und Musik miteinander verbinden. In den vergangenen fast vier Jahrzehnten produzierten sie Musikvideos, Werbespots, Essayfilme, Dokumentationen und zwei Langfilme, gestalteten Buchtitel und entwarfen Bühnenbilder für zahlreiche Theater- und Tanzproduktionen. In allen Projekten sind Figuren, Interieur, Dekor, Beleuchtung, Bildkomposition und Musik minutiös aufeinander abgestimmt, und die Quays übernehmen sämtliche Aufgaben selbst.

Als Ziel der Kunst galt jahrhundertelang das Schöne. Daneben oder darunter existierte immer schon eine Strömung, die alles thematisierte, was davon ausgeschlossen wurde. Die großen Kategorien des Abseitigen sind das Hässliche, das Kranke, das Böse. Man kann die Begriffe fast synonym verwenden, so groß sind ihre Überschneidungen: das Hässliche ist so krank wie das Kranke hässlich; das Böse ist hässlich und das Kranke böse. Seit der Romantik tritt das Abseitige und Verdrängte in den Vordergrund des künstlerischen Schaffens und wird sogar zur innovativen Kraft. In Kombination mit dem Zufall – der auch schon hässlich ist, weil er sich nicht in das Ideal einer harmonisch geordneten Welt einfügt – werden Abfall, Müll und Reste gegen alles Wohlgeformte zum bevorzugten Material der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Anhand ausgewählter Texte und Kunstwerke werden die vielfältigen Verbindungen zwischen dem Pathologischen (als allgemeinem Unwertbegriff, wie Karl Jaspers schreibt) und der Kunst untersucht.

Mit dem von Gottfried Boehm und W.J.T. Mitchell 1994 ausgerufenen »iconic turn« / »pictorial turn« wurden die Bildwissenschaften als »interdisziplinäres Projekt« (Belting) oder »integratives Forschungsprogramm« (Sachs-Hombach) begründet, welches Bildpraktiken in so weit voneinander entfernten Bereichen wie Archäologie, Soziologie, Mathematik, Medizin und Kunst u.v.m. untersucht. In dem Seminar werden anhand zentraler Texte Gemeinsamkeiten und Unterschiede von visuellen Bildern, Sprachbildern und Vorstellungsbildern aufgezeigt sowie Bildkonzepte in Kunst, Kommunikation und Wissenschaft vorgestellt.